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Im Aufeinandertreffen der zwei bemerkenswerten Musikerinnen SYLVIE COURVOISIER & MARY HALVORSON entsteht \“Musik, die sowohl in ihrer Geläufigkeit als auch in ihrem unaufhörlichen Einfallsreichtum erstaunlich ist.\“
Mit kreativem Können auf höchstem Niveau tanzen die beiden, ausgestattet mit raffinierten Techniken und einzigartigen Stimmen, auf ihren Instrumenten durch abenteuerliche, anspruchsvolle Eigenkompositionen, die auf erstaunliche Weise die Chemie und Vertrautheit widerspiegeln, die in den vergangenen Jahren auf ihren gemeinsamen Konzertreisen durch Europa und die USA entstanden ist.
Sylvie Courvoisier ist für ihr sensibles, aber energiegeladenes Klavierspiel bekannt, mit dem sie die Lücke zwischen ihrem klassischen Hintergrund und der Improvisationsszene in New York, wo sie lebt, schließt. Sie spielte in den unterschiedlichsten Bands mit einfallsreichen Musikern wie Mark Feldman, Ikue Mori und Tim Berne.
Mary Halvorson hat sich längst den Ruf erspielt, eine der aufregendsten Gitarrenvirtuosen der Gegenwart zu sein. Schroffes Akkordspiel und fein modellierte Tonketten wechseln sich in ihrem Spiel ab. Sie verzichtet bewusst auf Klischees und kreiert ihren eigenen Stil, bei dem sie ihre halbakustische Gitarre subtil mit elektronischen Effekten verzerrt. Zu ihren Mentoren zählen der Komponist Anthony Braxton und der Gitarrist Joe Morris.
Im Duo agieren die SYLVIE COURVOISIER & MARY HALVORSON geradezu traumwandlerisch, wenn sie auf die spontanen Eingebungen der anderen reagieren und faszinierende Klangwelten schaffen – ganz gleich, ob sie sich komponiertem Material oder dem freien Improvisieren zuwenden. Die beiden lassen unterschiedlichste Bezüge so selbstverständlich und beiläufig einfließen, als wären sie organisch gewachsen. Dabei steckt in ihrer Musik durchaus Spannung und Dissonanz – etwa, wenn die klassisch geprägte Grundierung von Courvoisiers Spiel auf die rockige Prägnanz von Halvorsons Gitarre trifft. Und auch wenn ihre Duette bisweilen vieldeutig und widerspenstig wirken: die bemerkenswerte Bindung zwischen ihnen ist immer herauszuhören.
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{„de“:“Seinen Status als einer der derzeit interessantesten und gefragtesten Musiker aus Frankreich hat DAOUD sich über viele Jahre hinweg hart erarbeitet. Der französisch-marokkanische Trompeter war von Beginn seiner Karriere an viel unterwegs, lebte als Obdachloser in Schottland, spielte auf Beerdigungen und in kleinen Clubs. Doch im Laufe der Zeit wurden Musiker wie Ibrahim Maalouf, Erik Truffaz oder Lakecia Benjamin auf ihn aufmerksam, holten ihn in ihre Bands oder ließen ihn für sich komponieren und arrangieren. Nachdem er jahrelang andere als Sideman um die ganze Welt begleitete, beschloss DAOUD 2022, seinen eigenen Weg zu gehen. 2024 erschien endlich sein Debütalbum \“Good Boy\“
Gern wird Daoud heute \“das Problemkind des französischen Jazz\“ genannt. Denn der Trompeter pflegt sein Punk-Image in einer Jazzszene, die sich manchmal etwas zu ernst nimmt. Die Puristen mit einem Hauch von Humor aufzurütteln, ist zu seinem Markenzeichen geworden. In seinen Kompositionen bringt Daoud zusammen, was scheinbar nicht zusammengehört, doch seine Liebe zum Jazz und Einflüsse von Hip-Hop und seiner früheren Zusammenarbeit mit Rock- und Popkünstlern finden stets schlüssig zueinander.
Und wegen seines vollmundigen Klangs wird er auch immer wieder mit berühmten Kollegen wie Christian Scott und Keyon Harold verglichen oder man schreibt ihm zu, er würde Theo Croker mit Chet Baker vereinen. All das stimmt und Fakt ist auch: Als Bandleader und Komponist ist Daoud ein Mann für alle Abenteuer, vorausgesetzt, sie sind fröhlich, positiv und strahlen gleichzeitig Emotionen aus, die unter die Haut gehen.
Ob nun also \“Problemkind\“ oder \“Good Boy\“ – Daoud ist vor allem ein verdammt guter Trompeter und Chef einer fantastischen Band.
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Mach dich bereit, Welt – ein Sturm des Souls kommt aus dem Norden. INA FORSMAN, Finnlands eigene Retro-Soul-Kraftmaschine, geht auf eine Album-Release-Tour, die nichts weniger als magisch sein wird. Als \“Soul-Witch of the North\“ ist Ina nicht nur eine Singer-Songwriterin – sie ist eine Performerin, die euch mit der Kraft ihrer Stimme und Musik in eine andere Ära versetzen kann. Aber für den Moment hält sie noch ein paar Geheimnisse in ihrem Ärmel versteckt.
Der Albumtitel? Noch ein Mysterium. Die Songs? Lasst uns einfach sagen, dass ihr dranbleiben wollt, wenn sie enthüllt werden, denn dies ist nicht nur eine Album-Release-Tour – es ist eine Reise.
Ina Forsman war schon immer eine Künstlerin, die sich nicht leicht in eine Schublade stecken lässt. Ihre Musik ist eine Verschmelzung von Vintage-Sound mit zeitgenössischem Storytelling. In jedem Ton, den sie singt, spürt man den Einfluss klassischer Soul-Legenden, während gleichzeitig etwas Frisches mitschwingt – etwas, das nur Ina Forsman sein kann. In ihrer Stimme liegt eine rohe Authentizität – eine Wärme und Rauheit, die gleichzeitig das Herz schmelzen und die Seele bewegen kann.
Das neue Album soll ihre Musik noch weiter vorantreiben, tief in die Essenz der Soul-Musik eintauchen und gleichzeitig ihre charakteristische moderne Note hinzufügen. In den kommenden Monaten, näher zur Tour, werden weitere Details zum neuen Album und den Songs bekannt gegeben. Folgt Ina Forsman auf ihren Social-Media-Kanälen, um immer auf dem Laufenden zu bleiben und exklusive Einblicke zu erhalten.
Macht euch bereit für eine Reise, die euch noch lange nach dem letzten Ton begleiten wird.
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{„de“:“Die bereits mehrfach für einen GRAMMY nominierte Sängerin und Songwriterin BECCA STEVENS hat eine herausragende Karriere aufgebaut, in der sie müheloses stimmliches Talent mit exquisiten Kompositionen verbindet, die von Pop, Jazz, Indie-Rock und Folk-Musik-Traditionen inspiriert sind. Mit ihrer Musik sprengt sie die Grenzen des Konventionellen, indem sie Klassik und Appalachian Folk Music, mit denen sie aufwuchs, mit ihrer Liebe zu den reichen Rhythmen und Harmonien aus Jazz und Weltmusik verwebt. Ihre enormen Fähigkeiten an verschiedenen Saiteninstrumenten wie Gitarre, Ukulele, Charango u.a. bereichern dies zusätzlich.
Seit der Gründung der Becca Stevens Band im Jahr 2006 war sie als Bandleaderin international auf Tour. Neben ihrer Soloarbeit ist Becca auch eine in der Szene hoch angesehene Musikerin, die unter anderem mit David Crosby als aktives Mitglied seiner Lighthouse Band, Jacob Collier, Michael League von Snarky Puppy und Taylor Eigsti ausgiebig geschrieben und getourt hat.
Becca Stevens hat neben den Alben unter eigenem Namen auch Gemeinschaftsarbeiten veröffentlicht, die ihre Originalmusik mit dem weltberühmten Secret Trio sowie mit dem renommierten Attacca Quartet (mit dem sie für einen GRAMMY 2023 in der Kategorie Bestes Arrangement, Instrumente und Gesang nominiert war) verschmelzen. Und sie hat mit vielen ihrer musikalischen Vorbilder zusammengearbeitet und aufgenommen, darunter Brad Mehldau, Laura Mvula, Michael McDonald, Snarky Puppy, Chris Thile, Antonio Sánchez, Alan Hampton, Gretchen Parlato, Louis Cole, Vince Mendoza, Brian Blade, das Metropole Orkest, Tim Heidecker und Ambrose Akinmusire, um nur einige zu nennen.
Im Herbst 2024 hat Stevens nun ihr erstes komplett akustisches Soloalbum \“Maple To Paper\“ bei GroundUP veröffentlicht. Becca Stevens hat \“Maple To Paper\“ vollständig zuhause geschrieben, aufgenommen und produziert. Es ist eine einzigartige Sammlung sehr intimer Songs, in denen sie neben Stücken über das Leben als Künstlerin und dessen Fallstricke und Feinheiten vor allem zwei monumentale Veränderungen in ihrem Leben verarbeitet – den Tod ihrer Mutter und den Beginn ihrer eigenen Mutterschaft.
Mit den Songs von \“Maple To Paper\“ kehrt Beccas Stevens gewissermaßen zu ihren Wurzeln als Gitarristin zurück, die mit der vielgestaltigen Folkmusic der Appalachen, also dieser besonderen Mischung aus Blues, Jazz, Bluegrass, Folk, Rock und Gospel großgezogen wurde.
Und auch wenn Becca Stevens damit von der ungezähmten Vielseitigkeit ihrer früheren Arbeiten abweicht, umarmt sie jetzt die unaufgeregte Einfachheit des Folk mit einem so wunderbar reduzierten Klang, der ihr fesselndes Gitarrenspiel und ihre unverfälschte, strahlende Gesangsperformance umso intensiver erleben lässt. Mit dem präzisen Minimalismus ihrer neuen Lieder entwickelt Becca Stevens eine ganz besondere emotionale Kraft.
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{„de“:“Die Musik von FREYA ARDE kannte man bisher aus Filmen wie \“Das geheime Leben der Bäume\“ & der Neuverfilmung von \“Das fliegende Klassenzimmer\“. Nun kündigt die renommierte Filmkomponistin ihr erstes Album mit Eigenkompositionen abseits der Kinoleinwand an. Es heißt \“Echo\“ und erscheint am 07. Februar 2025.
Nach ihrer ersten EP \“Spirit Awake\“ folgte 2021 ihre Single \“Moon Window\“, die über Deutsche Grammophon erschien und mehr als 400.000 Streams erreichte.
Auch Live ließen die Erfolge nicht auf sich warten: 2023 spielte sie Support für James Heathers Deutschlandtour. Ende des Jahres veröffentlichten sie zusätzlich einen gemeinsamen Track, \“Immortal Beloved Rework\“ über das Label Ninja Tune.
Mit ihrem Debüt-Album \“Echo\“ geht die preisbehangene Komponistin und Gitarristin nun einen Weg tief ins Innere unsere Seele, wo wir uns komplett spüren & erfahren können.
\“Echo\“ beschäftigt sich mit Beziehungen verschiedener Form: Der Beziehung zu sich selbst, der Beziehung zwischen Menschen, der Vergangenheit, Gegenwart & Zukunft. Was es bedeutet, Bindung einzugehen, wie solche immateriellen Bänder uns halten – und auch, was Verlust heißt.
Ihr poetischer Minimalismus mit Gitarre, Streichern und ihrer \“zauberhaften Stimme\“ (Deutscher Filmmusikpreis, 2023) fühlt sich an wie eine Umarmung aus Musik. \“Meine Form Liebe und Selbstliebe auszudrücken, ist meine Musik\“ – Freya Arde
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{„de“:“Seit vielen Jahren zählt JOO KRAUS nun schon völlig zu Recht zu den renommiertesten Jazztrompetern in unseren Breitengraden. Dabei wurde Joo die Trompete zwar nicht direkt in die Wiege, aber doch neben das Schulheft gelegt. Bereits sein Vater spielte Trompete und brachte ihm die ersten Griffe bei. Mit 19 Jahren durch den ersten Preis beim Bundeswettbewerb \“Jugend musiziert\“ in die Szene katapultiert, sammelte er fünf Jahre Bühnenerfahrung mit der Elektro-Rock-Band \“Kraan\“. Mit Hellmut Hattler gründete Joo Anfang der 1990er Jahre das Hip-Jazz-Duo \“Tab Two\“. Die Rhythmusgruppe und die Effekte kamen bereits aus dem Computer – zu Beginn der 90er Jahre eine ziemlich bahnbrechende Neuerung. \“Tab Two\“ spielten in ganz Europa, in Asien und den USA, produzierten acht Alben und waren einer der größten Influencer in diesem Genre weltweit.
In den 2000er Jahren schrieb Joo Kraus vermehrt eigene Songs. Er produzierte im ältesten Tonstudio Havannas sein Album \“Sueño\“ und arrangierte Songs von Michael Jackson zu einer intellektuell anspruchsvollen Verbeugung vor dem King of Pop.
Joo Kraus – das sind viele Jahrzehnte internationale Bühnen- und Studio-Erfahrung, unzählige weltweite Tourneen, 2 Grammy Nominierungen, den Echo Jazz als bester deutscher Trompeter und 6 German Jazz Awards in Gold.
Dass der Ulmer Trompeter schon mit \“Tab Two\“ Musikgeschichte geschrieben und sich einen legendären Ruf erspielt hat, ist ihm ebenso schnurzegal wie seine sprichwörtliche Umtriebigkeit auf so unterschiedlichen Feldern wie Krautrock, Jazz, HipHop, Latin, Ambient und Singer/Songwriter.
Für sein neues Album \“No Excuse\“ zählt nur eine einzige Frage: Was habe ich heute zu sagen? Nach einer knapp vierzigjährigen Reise durch fast sämtliche Vegetationszonen der Musik braucht Joo Kraus keine Erklärungen mehr. Die Musik darf einfach sein, was sie ist: hundert Prozent Joo Kraus.
Stilistische Breite lag ihm schon immer näher als die Festlegung auf ein bestimmtes Genre. Die unvorhersehbare Buntheit auf \“No Excuse\“ reicht von Cool Jazz bis HipHop, von Pop bis Singer/Songwriter, von Ambient bis Funk. Und so bietet er uns auf seinem neuen Album nicht weniger an als \“alles\“.
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Der norwegische Saxofonist und Bandleader Kjetil Møster erlangte 2000 während einer legendären Aufführung mit Chick Corea und dem Trondheim Jazz Orchestra öffentliche Aufmerksamkeit und hat seitdem mit zahlreichen Bands und Künstler*innen zusammengearbeitet, Hunderte von Konzerten auf der ganzen Welt gespielt und rund 50 Alben veröffentlicht, die sich von Jazz und improvisierter Musik über Noise, zeitgenössische Musik, Free Rock, Electronica, Hip-Hop hin zu Pop bewegen. Kjetil Møster wurde bereits 2006 als \“Internationales Jazztalent des Jahres\“ ausgezeichnet und erhielt seitdem mehrere norwegischen Grammys.
Mit seiner aktuellen Band MØSTER! hat er eine wahre Supergroup um sich geschart.
Gitarrist Hans Magnus Ryan ist besser bekannt als ‚Snah‘ und spielt bei Motorpsycho. Bassist Nikolai Hængsle ist Mitglied des sensationellen Prog-Jazz-Trios Elephant9 und gehört zu den gefragtesten Session-Bassisten in Norwegen. Kenneth Kapstad gehörte von 2007-2016 ebenfalls zu Motorpsycho und ist jetzt Drummer bei Spidergawd sowie bei verschiedenen norwegischen Rock- und experimentellen Jazzformationen.
Møster! haben zwischen 2013 und 2020 fünf Alben beim norwegischen Label Hubro veröffentlicht, touren regelmäßig in ganz Europa und spielten dabei auf Festivals wie Re:Wire, Jazzfestival Saalfelden, Kongsberg und dem Molde Int. Jazz Festival. Ausgehend vom innovativen Rock und Jazz der 1970-er Jahre und inspiriert von Bands und Künstlern wie Soft Machine, John Coltrane und Miles Davis, aber auch stark beeinflusst von den Rhythmen von Fela Kuti, den Klängen von Harry Partch, Karlheinz Stockhausen, dem Geist von Can und der Kraft von Black Sabbath haben Møster! ihre ganz eigene musikalische Welt entwickelt. Es ist eine heftig brodelnde Mischung, in der die elektroakustischen Klänge von ekstatischen Rhythmen befeuert werden, die mit enormer Schubkraft und flirrender Vitalität immer neue Energien freisetzen. Pünktlich zur aktuellen Tournee erscheint mit \“Springs\“ das neue, sechste Album der Band. Es wird ein Fest.
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{„de“:“CHRIS MORRISEY besitzt die Gabe, auf unglaublich elegante, leicht wirkende Art und Weise Stile und Genres zu verschmelzen, so dass ihn der Chicago Reader als jemanden beschrieb, der \“wie nebenbei Wegbereiter für die Zukunft des Jazz\“ ist. Mit seiner EP \“Impact Winter Formal\“ von 2021 hat Morrissey es endgültig aufgegeben, zwei Genrewelten zu überqueren und steht stattdessen mit beiden Beinen fest in einer völlig neuen Welt, die persönlich und zukunftsweisend, komplex, aber unmittelbar, klangvoll und inspirierend ist. Das Ergebnis ist brillant, fesselnd und emotional.
Der laut eigener Aussage \“Songwriter, Bassist, Sänger, Musikdirektor, Löwe, Onkel, Liebhaber der meisten Katzen und einiger Hunde, in Minnesota lebender New Yorker, Yoga-Praktiker, Weinliebhaber, Restaurant-Stammgast und Witzeerzähler/-liebhaber\“ CHRIS MORRISSEY hat in seiner bisherigen Musikerkarriere Hunderttausende von Meilen auf fünf Kontinenten mit dem Jim Campilongo Trio, dem Mark Guiliana Jazz Quartet, Beat Music, der Dave King Trucking Company, Sara Bareilles, Chris Thiles Hausband \“Live From Here\“, Margaret Glaspy, Boy George, Ben Kweller, Andrew Bird, Mason Jennings, Gretchen Parlato, Trixie Whitley, Gabriel Kahane und Amy Helm zurückgelegt. Er stellte Bands zusammen, arrangierte und probte Repertoire für Tournee und TV für Sara Bareilles, Sharon Van Etten, Trixie Whitley und Elle King. Morrissey teilte die Bühne mit Sir Elton John, nahm mit Cyndi Lauper auf, koproduzierte Jackie Wilsons \“Higher and Higher\“ für das Oprah Winfrey Network und schrieb das In-Memoriam-Arrangement von Charlie Chaplins \“Smile\“ für The 66th Annual Emmy Awards. Als Komponist und Bandleader hat Morrissey bereits vor \“Winter Impact Formal\“ vier hoch gelobte Alben unter eigenem Namen veröffentlicht: \“Laughing and Laughing\“ (2018), \“The Morning World\“ (2009), \“Cannon Falls Forever\“ (2011) und \“North Hero\“ (2013).
Er tritt regelmäßig mit seiner Band in New York City auf und lebt im East Village, einem wie er selbst sagt \“ziemlich schönen Ort für einen Musiker\“. Den verlässt er einmal mehr für eine Europatournee mit seiner fantastischen Band, um sein neues, im März bei GroundUp Music erschienenes Album \“Grey Like The Color\“ vorzustellen.
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{„de“:“Virtuose Spielfreude und scheinbar unerschöpfliche Kreativität – mit ihrem neuen Album „The Circle“ lassen Gitarrist SÖNKE MEINEN und Violinist BJARKE FALGREN ab dem ersten Ton alle Traditionen hinter sich und ziehen ihr Publikum mit feinfühligen Melodien sowie mitreißenden Grooves unweigerlich in ihren Bann.
In ihren Konzerten sprengen sie die stilistischen Grenzen zwischen Folk, Jazz, Weltmusik und Klassik und begeistern mit ihrer ausdrucksstarken und lebendigen Musik ihre Fans in aller Welt. Dennoch nehmen sich die beiden Musiker nie zu ernst, lassen Raum für spontane Interaktion und verbinden ihre Kompositionen mit humorvollen und berührenden Geschichten.
Neben dem Duo mit Sönke Meinen tritt der in Dänemark lebende Bjarke Falgren auch solo und mit seinem eigenen Jazzquartett auf. Seine \“einzigartige Fähigkeit, jeden Ton zu einer ‚Welt für sich‘ zu machen“ (dänische Zeitung „Politiken“) brachte ihn auf Bühnen in Asien und Europa und dabei in nahezu jedes Konzerthaus und jeden Jazzclub in Skandinavien. Er schreibt und produziert Musik für Film- und Theaterproduktionen und ist ein gefragter Studiomusiker. Die Jazzgeigenlegende Svend Asmussen betitelte Bjarke Falgren als seinen musikalischen Erben und sagte über ihn: „Bjarke Falgren is the hardest swingin ́ fiddler I have seen since Stuff Smith“.
Sönke Meinen begeistert neben Konzerten mit Bjarke Falgren auch solo und im Duo mit dem Gitarristen Philipp Wiechert. Mit seiner virtuosen und gleichzeitig berührenden Musik stand er in China, Australien, den USA, Korea, Japan sowie fast allen europäischen Ländern auf der Bühne. Er war Preisträger diverser internationaler Wettbewerbe, im Jahre 2016 gleich bei zwei der renommiertesten weltweit: als Gewinner des „Guitar Masters“- Wettbewerbs und Sponsoring-Preisträger des „European Guitar Awards“. Gitarrenlegende Tommy Emmanuel nannte ihn „einen der kreativsten Gitarristen der aktuellen Gitarrenszene“.
Wenn die beiden Musiker im Duo auf der Bühne stehen und ihren Instrumenten eine ungewöhnlich breite Palette an Klangfarben entlocken, von warm und weich bis kraftvoll und perkussiv, ist ein außergewöhnliches Konzerterlebnis garantiert. Für ihr hochgelobtes Duo-Debütalbum „Postcard to Self“ wurden die beiden Ausnahmemusiker 2019 gleich zweifach für die Danish Music Awards nominiert: In den Kategorien „Album des Jahres (World)“ und „Komponist des Jahres“. Ihre fast ausschließlich eigenen Kompositionen sind mal ganz zart, mal höchst energetisch, aber immer mitreißend, voller Spielwitz und Emotion. Hochklassig, unterhaltsam und zu Herzen gehend!
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Die Stimme von AMIRTHA KIDAMBI, ist von einer kaum fasslichen Ausdrucksvielfalt; sie schwebt und kreischt, fließt dahin und bewegt sich im Zickzack durch komplizierte Melodielinien oder Raga-artige Gesänge, sie überschlägt sich und wird glockenklar, ist exaltiert und im nächsten Moment von zarter Zurückhaltung. Die Texte, die von dieser Stimme dargeboten, performt, gesungen, inszeniert oder herausgeschrien werden, handeln von der amerikanischen Gegenwart, die für viele Menschen noch immer eine von Gewalt und Rassismus ist; sie sprechen vom Erbe des Kolonialismus und dem Jetzt eines entfesselten Kapitalismus, aber sie können auch eine spirituelle Botschaft in sich tragen. So groß die stilistische Bandbreite, so weit der erzählerische Horizont. AMIRTHA KIDAMBI ELDER ONES heißt das Band-Projekt, mit dem die in Buffalo/NY geborene Kidambi musikalisch und konzeptionell also die größte Freiheit erfährt – ihre vornehmlich auf dem Harmonium produzierten Drones werden von der Rhythmusgruppe aus Lester St. Louis (Bass) und Jason Nazary (Drums), die schon in Jaimie Branchs Band Fly Or Die glänzten, spannungsreich kontrastiert, und Alfredo Colon und Matt Nelson an den Saxofonen wecken Assoziationen zum Spiritual Jazz eines Pharao Sanders. Die anderen Einflüsse haben mit Kidambis Herkunft zu tun. Sie ist als Tochter südindischer Eltern mit karnatischen Rhythmen aufgewachsen und hat als Kind jeden Sonntag devotionale Bhajan-Musik gesungen, begleitet von Harmonium und Tambourin. Zu jener Zeit entdeckte sie auch Alice Coltrane und deren Beschäftigung mit indischer Musik. Alice und John Coltrane sind Säulenheilige in Kidambis musikalischem Kosmos, aber in ihrer Teenager-Zeit wurde sie mindestens ebenso geprägt von Punkmusik und Metal, Hiphop und R’n’B. Nimmt man dann noch die Chormusik und das klassische Musikstudium hinzu, die Liebe zum Jazz und vor allem Free Jazz, dann kann man sich ungefähr den Reichtum ihrer Arbeit vorstellen – den Kidambi nicht nur mit Elder Ones offenlegt, sondern etwa auch bei Mary Halversons Code Girl, dem Vokal Quartett Lines of Light oder in Kollaborationen mit Avantgardisten wie William Parker und Tyshawn Sorey. Genug Gründe, den Auftritt von AMIRTHA KIDAMBI ELDER ONES mit großer Spannung zu erwarten.
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