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Der norwegische Saxofonist und Bandleader Kjetil Møster erlangte 2000 während einer legendären Aufführung mit Chick Corea und dem Trondheim Jazz Orchestra öffentliche Aufmerksamkeit und hat seitdem mit zahlreichen Bands und Künstler*innen zusammengearbeitet, Hunderte von Konzerten auf der ganzen Welt gespielt und rund 50 Alben veröffentlicht, die sich von Jazz und improvisierter Musik über Noise, zeitgenössische Musik, Free Rock, Electronica, Hip-Hop hin zu Pop bewegen. Kjetil Møster wurde bereits 2006 als \“Internationales Jazztalent des Jahres\“ ausgezeichnet und erhielt seitdem mehrere norwegischen Grammys.
Mit seiner aktuellen Band MØSTER! hat er eine wahre Supergroup um sich geschart.
Gitarrist Hans Magnus Ryan ist besser bekannt als ‚Snah‘ und spielt bei Motorpsycho. Bassist Nikolai Hængsle ist Mitglied des sensationellen Prog-Jazz-Trios Elephant9 und gehört zu den gefragtesten Session-Bassisten in Norwegen. Kenneth Kapstad gehörte von 2007-2016 ebenfalls zu Motorpsycho und ist jetzt Drummer bei Spidergawd sowie bei verschiedenen norwegischen Rock- und experimentellen Jazzformationen.
Møster! haben zwischen 2013 und 2020 fünf Alben beim norwegischen Label Hubro veröffentlicht, touren regelmäßig in ganz Europa und spielten dabei auf Festivals wie Re:Wire, Jazzfestival Saalfelden, Kongsberg und dem Molde Int. Jazz Festival. Ausgehend vom innovativen Rock und Jazz der 1970-er Jahre und inspiriert von Bands und Künstlern wie Soft Machine, John Coltrane und Miles Davis, aber auch stark beeinflusst von den Rhythmen von Fela Kuti, den Klängen von Harry Partch, Karlheinz Stockhausen, dem Geist von Can und der Kraft von Black Sabbath haben Møster! ihre ganz eigene musikalische Welt entwickelt. Es ist eine heftig brodelnde Mischung, in der die elektroakustischen Klänge von ekstatischen Rhythmen befeuert werden, die mit enormer Schubkraft und flirrender Vitalität immer neue Energien freisetzen. Pünktlich zur aktuellen Tournee erscheint mit \“Springs\“ das neue, sechste Album der Band. Es wird ein Fest.
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{„de“:“CHRIS MORRISEY besitzt die Gabe, auf unglaublich elegante, leicht wirkende Art und Weise Stile und Genres zu verschmelzen, so dass ihn der Chicago Reader als jemanden beschrieb, der \“wie nebenbei Wegbereiter für die Zukunft des Jazz\“ ist. Mit seiner aktuellen EP \“Impact Winter Formal\“ von 2021 Morrissey es endgültig aufgegeben, zwei Genrewelten zu überqueren, und steht stattdessen mit beiden Beinen fest in einer völlig neuen Welt, die persönlich und zukunftsweisend, komplex, aber unmittelbar, klangvoll und inspirierend ist. Das Ergebnis ist brillant, fesselnd und emotional.
Der laut eigener Aussage \“Songwriter, Bassist, Sänger, Musikdirektor, Löwe, Onkel, Liebhaber der meisten Katzen und einiger Hunde, in Minnesota lebender New Yorker, Yoga-Praktiker, Weinliebhaber, Restaurant-Stammgast und Witzeerzähler/-liebhaber\“ CHRIS MORRISSEY hat in seiner bisherigen Musikerkarriere Hunderttausende von Meilen auf fünf Kontinenten mit dem Jim Campilongo Trio, dem Mark Guiliana Jazz Quartet, Beat Music, der Dave King Trucking Company, Sara Bareilles, Chris Thiles Hausband \“Live From Here\“, Margaret Glaspy, Boy George, Ben Kweller, Andrew Bird, Mason Jennings, Gretchen Parlato, Trixie Whitley, Gabriel Kahane und Amy Helm zurückgelegt. Er stellte Bands zusammen, arrangierte und probte Repertoire für Tournee und TV für Sara Bareilles, Sharon Van Etten, Trixie Whitley und Elle King. Morrissey teilte die Bühne mit Sir Elton John, nahm mit Cyndi Lauper auf, koproduzierte Jackie Wilsons \“Higher and Higher\“ für das Oprah Winfrey Network und schrieb das In-Memoriam-Arrangement von Charlie Chaplins \“Smile\“ für The 66th Annual Emmy Awards. Als Komponist und Bandleader hat Morrissey bereits vor \“Winter Impact Formal\“ vier hoch gelobte Alben unter eigenem Namen veröffentlicht: \“Laughing and Laughing\“ (2018), \“The Morning World\“ (2009), \“Cannon Falls Forever\“ (2011) und \“North Hero\“ (2013).
Er tritt regelmäßig mit seiner Band in New York City auf und lebt im East Village, einem wie er selbst sagt \“ziemlich schönen Ort für einen Musiker\“. Den verlässt er einmal mehr für eine Europatournee mit seiner fantastischen Band, um sein neues, im März bei GroundUp Music erschienenes Album \“Grey Like The Color\“ vorzustellen.
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{„de“:“Virtuose Spielfreude und scheinbar unerschöpfliche Kreativität – mit ihrem neuen Album „The Circle“ lassen Gitarrist SÖNKE MEINEN und Violinist BJARKE FALGREN ab dem ersten Ton alle Traditionen hinter sich und ziehen ihr Publikum mit feinfühligen Melodien sowie mitreißenden Grooves unweigerlich in ihren Bann.
In ihren Konzerten sprengen sie die stilistischen Grenzen zwischen Folk, Jazz, Weltmusik und Klassik und begeistern mit ihrer ausdrucksstarken und lebendigen Musik ihre Fans in aller Welt. Dennoch nehmen sich die beiden Musiker nie zu ernst, lassen Raum für spontane Interaktion und verbinden ihre Kompositionen mit humorvollen und berührenden Geschichten.
Neben dem Duo mit Sönke Meinen tritt der in Dänemark lebende Bjarke Falgren auch solo und mit seinem eigenen Jazzquartett auf. Seine \“einzigartige Fähigkeit, jeden Ton zu einer ‚Welt für sich‘ zu machen“ (dänische Zeitung „Politiken“) brachte ihn auf Bühnen in Asien und Europa und dabei in nahezu jedes Konzerthaus und jeden Jazzclub in Skandinavien. Er schreibt und produziert Musik für Film- und Theaterproduktionen und ist ein gefragter Studiomusiker. Die Jazzgeigenlegende Svend Asmussen betitelte Bjarke Falgren als seinen musikalischen Erben und sagte über ihn: „Bjarke Falgren is the hardest swingin ́ fiddler I have seen since Stuff Smith“.
Sönke Meinen begeistert neben Konzerten mit Bjarke Falgren auch solo und im Duo mit dem Gitarristen Philipp Wiechert. Mit seiner virtuosen und gleichzeitig berührenden Musik stand er in China, Australien, den USA, Korea, Japan sowie fast allen europäischen Ländern auf der Bühne. Er war Preisträger diverser internationaler Wettbewerbe, im Jahre 2016 gleich bei zwei der renommiertesten weltweit: als Gewinner des „Guitar Masters“- Wettbewerbs und Sponsoring-Preisträger des „European Guitar Awards“. Gitarrenlegende Tommy Emmanuel nannte ihn „einen der kreativsten Gitarristen der aktuellen Gitarrenszene“.
Wenn die beiden Musiker im Duo auf der Bühne stehen und ihren Instrumenten eine ungewöhnlich breite Palette an Klangfarben entlocken, von warm und weich bis kraftvoll und perkussiv, ist ein außergewöhnliches Konzerterlebnis garantiert. Für ihr hochgelobtes Duo-Debütalbum „Postcard to Self“ wurden die beiden Ausnahmemusiker 2019 gleich zweifach für die Danish Music Awards nominiert: In den Kategorien „Album des Jahres (World)“ und „Komponist des Jahres“. Ihre fast ausschließlich eigenen Kompositionen sind mal ganz zart, mal höchst energetisch, aber immer mitreißend, voller Spielwitz und Emotion. Hochklassig, unterhaltsam und zu Herzen gehend!
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Die Stimme von AMIRTHA KIDAMBI, ist von einer kaum fasslichen Ausdrucksvielfalt; sie schwebt und kreischt, fließt dahin und bewegt sich im Zickzack durch komplizierte Melodielinien oder Raga-artige Gesänge, sie überschlägt sich und wird glockenklar, ist exaltiert und im nächsten Moment von zarter Zurückhaltung. Die Texte, die von dieser Stimme dargeboten, performt, gesungen, inszeniert oder herausgeschrien werden, handeln von der amerikanischen Gegenwart, die für viele Menschen noch immer eine von Gewalt und Rassismus ist; sie sprechen vom Erbe des Kolonialismus und dem Jetzt eines entfesselten Kapitalismus, aber sie können auch eine spirituelle Botschaft in sich tragen. So groß die stilistische Bandbreite, so weit der erzählerische Horizont. AMIRTHA KIDAMBI ELDER ONES heißt das Band-Projekt, mit dem die in Buffalo/NY geborene Kidambi musikalisch und konzeptionell also die größte Freiheit erfährt – ihre vornehmlich auf dem Harmonium produzierten Drones werden von der Rhythmusgruppe aus Lester St. Louis (Bass) und Jason Nazary (Drums), die schon in Jaimie Branchs Band Fly Or Die glänzten, spannungsreich kontrastiert, und Alfredo Colon und Matt Nelson an den Saxofonen wecken Assoziationen zum Spiritual Jazz eines Pharao Sanders. Die anderen Einflüsse haben mit Kidambis Herkunft zu tun. Sie ist als Tochter südindischer Eltern mit karnatischen Rhythmen aufgewachsen und hat als Kind jeden Sonntag devotionale Bhajan-Musik gesungen, begleitet von Harmonium und Tambourin. Zu jener Zeit entdeckte sie auch Alice Coltrane und deren Beschäftigung mit indischer Musik. Alice und John Coltrane sind Säulenheilige in Kidambis musikalischem Kosmos, aber in ihrer Teenager-Zeit wurde sie mindestens ebenso geprägt von Punkmusik und Metal, Hiphop und R’n’B. Nimmt man dann noch die Chormusik und das klassische Musikstudium hinzu, die Liebe zum Jazz und vor allem Free Jazz, dann kann man sich ungefähr den Reichtum ihrer Arbeit vorstellen – den Kidambi nicht nur mit Elder Ones offenlegt, sondern etwa auch bei Mary Halversons Code Girl, dem Vokal Quartett Lines of Light oder in Kollaborationen mit Avantgardisten wie William Parker und Tyshawn Sorey. Genug Gründe, den Auftritt von AMIRTHA KIDAMBI ELDER ONES mit großer Spannung zu erwarten.
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{„de“:“CLEMENS C. POETZSCH & REENTKO DIRKS verleihen der seltenen Instrumentierung von Piano und Gitarre eine moderne Interpretation und präsentieren sie auf eine einzigartige Weise, die Brücken zwischen Klassik und Jazz schlägt und darüber hinaus geht.
Clemens Christian Poetzsch arbeitet gleichermaßen mit Künstlern aus der Klassik wie auch der zeitgenössischen Popularmusik. Der mehrfache Preisträger veröffentlichte fünf Soloalben, es folgten ausverkaufte Solokonzerte in Japan, Großbritannien und der Elbphilharmonie Hamburg.
Reentko Dirks ist seit 20 Jahren sowohl als Solist als auch in verschiedenen internationalen Ensembles aktiv (European Guitar Quartet, Masaa), komponierte Musik für die Semperoper Dresden und den Cirque du Soleil und konzertierte in Spielstätten wie der Tschaikowsky Hall Moskau oder der Carnegie Hall in New York.
Gemeinsam arbeiten Poetzsch & Dirks schon seit vielen Jahren zusammen und schrieben Musik für Kinofilme und Theater. Nun veröffentlichen sie erstmals ein gemeinsames Album mit dem Titel \“Collatoral Flow\“, welches im April bei Neue Meister erscheint und auf dem ihr Hintergrund von Filmmusik deutlich zu spüren ist. In ihren Konzerten führen sie in eine noch unberührte Klangwelt, die wie ein Soundtrack anmutet.
\“With their unique blending, they put the rare instrumentation of piano and guitar on the map of music.\“ (Martin Miller)
Ein Konzert der Reihe LIVE AUDIO LOVE in Zusammenarbeit mit RADIOKÖRNER.
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{„de“:“Die finnische Band VIRTA hat gerade ihr neues Album \“Horros\“ bei Svart Records veröffentlicht. Virta sind bekannt für ihre intensiven Live-Shows und ihren eigenständigen elektro-akustischen Sound. Die Art und Weise, wie die Band Ambient Electronica mit nordischem Jazz, Post-Rock und Psychedelia mischt, ist schon etwas ganz Besonderes. Virta, 2011 gegründet, hat bislang zwei von der Kritik hochgelobte Alben veröffentlicht: \“Tales from the Deep Waters\“ und \“Hurmos\“. Das Klanguniversum der Band reicht von einem intensivem elektro-akustischen Puls bis hin zu ätherischen Vibes, Shoegaze-Anklängen und Darkjazz.
Mit \“Horros\“ knüpft die Band an die packenden elektroakustischen Abenteuer ihrer beiden Vorgängeralben an und begibt sich gleichzeitig auf neues Terrain, das ganz klar von jazzig-elektro-akustischen Erkundungen geprägt ist. Virta bleibt aber Virta, wenngleich sie diesmal noch tiefer als zuvor in ihre eigene innere Welt eintauchen, noch weiter in atmosphärische und cineastische Musik vordringen. Trotzdem muss die Musik von Virta nicht von Bildern begleitet werden – sie umhüllt so sehr, dass Wegweiser überflüssig sind. Die Musik selbst ist der Führer durch diese faszinierende Klangwelt und nimmt vollständig gefangen. Hat man diese Welt einmal betreten, ist es unmöglich, sie zu wieder verlassen.
Support: MONONOKE (d)
Mononoke ist eine Zwei-Mann-Band mit Synthesizer und akustischem \nSchlagzeug. Vom Jazz kommend, nutzen sie ihr Improvisationskönnen, um Songs live zu kreieren. Sie \nsind beeinflusst von Künstlern wie Radiohead, JamesZoo, Flying Lotus, \nMehliana, James Blake, Nicolas Jaar, Johnt Talabot, Thundercat und \nanderen…
Mononoke sind Fabian Rösch (drums, mono synth) und Benjamin Geyer (synth, rhodes, effects)
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{„de“:“Mit seinem frischen und zupackenden Sound gehört THE JAKOB MANZ PROJECT zu den erfolgreichsten Bands des jungen deutschen Jazz. Kaum eine andere junge Band löst bei ihrem Publikum derartige Begeisterungsstürme aus. Egal ob Club oder große Festival Bühne, die unverwechselbare Energie dieser Band durchdringt jede Konzertstätte bis in die hinterste Ecke und katapultiert dessen Publikum in ihre vielschichtige Musik. Im Januar 2024 erscheint ihr zweites Studio Album „The Answer“ bei ACT Music, einem der renommiertesten Jazz Labels Europas.
Ausgehend von ersten Konzerten 2017, vorwiegend im Großraum Stuttgart, erspielte sich die Band rasch mehrere erste Preise, darunter den Biberacher Jazzpreis 2018 und den Future Sounds der Leverkusener Jazztage 2018. Bandleader Jakob Manz war gerade 16 Jahre alt und tourte bereits mit dem Bundesjazzorchester (BuJazz0) durch Kanada, die USA und Osteuropa. Nach ihrem vielbeachteten Debut Album Natural Energy (ACT 2020) tourte die Band deutschlandweit, und trat bei einigen der größten Jazz Festivals Deutschlands auf, unter anderem den Leverkusener Jazztagen, ELBJAZZ und Jazz Baltica. Im Jahr 2023 folgten erste Konzerte auf internationalen Festivals, unter anderem in Schweden (Trollhättan Jazz & Blues) und Rumänien (ORA Jazz Festival).
Direkter und klarer Sound, reichhaltige Dynamik und emotionale Tiefe – das sind die herausragenden Aspekte ihrer Musik. Die Musik der Band ist sehr stark von Jazz Rock und Funk inspiriert, wird jedoch durch die vier Künstlerpersönlichkeiten mit ihren zahlreichen Einflüssen aus Soul, Pop, Weltmusik oder Hip-Hop angereichert. Auch wenn das Saxophon des jungen Bandleaders meist im Mittelpunkt steht, spiegelt sich in jedem Livekonzert ganz klar jedes musikalische Individuum der Band wider. Das erkennt man auch anhand der vielfältigen Stücke, bei denen es sich um Eigenkompositionen der jeweiligen Bandmitglieder handelt. Von eingängigen Grooves, durch leidenschaftliche Soli, über raffiniertes Zusammenspiel bis hinzu kristallklaren, sphärischen oder gar melancholischen Klängen verspricht The Jakob Manz Project einen dynamischen Abend, den man so schnell nicht vergisst!
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{„de“:“JULE MALISCHKE gilt als eine der aufregendsten Entdeckungen der aktuellen Gitarren-und Singer–Songwriter-Szene hierzulande.
Als Solokünstlerin und mit unterschiedlichen musikalischen Duoprojekten (mit den Gitarristen Antonio Forcione und Stephan Bormann, dem Saxophonisten Michal Skulski und der Geigerin Isa Kimmel), konzertiert sie nicht nur landesweit, sondern ist auch eine gern gesehene Künstlerin auf renommierten internationalen Gitarrenfestivals und war u.a. als Support von Barclay James Harvest, Christina Stürmer sowie im Radio und TV zu hören.
Ihr Gitarrenspiel hat sie an verschiedenen renommierten Musikhochschulen bis hin zur Meisterklasse verfeinert und ist seit 2015 selbst Dozentin im Fach Gitarre an der Musikhochschule Carl Maria von Weber in Dresden. Seit 2021 leitet sie dort ihre eigene Gitarrenklasse im künstlerischen Hauptfach Gitarre Lehramt.
Eine Besonderheit dieser Künstlerin liegt in ihrer musikalischen Vielfältigkeit. So bewegt sie sich mit ihrem brillanten Gitarrenspiel mühelos zwischen virtuoser konzertanter Gitarrenliteratur, komplexen Fingerstyle–Arrangements und ihren eigenen Songs, welche von ihrer außergewöhnlichen Stimme geprägt sind.
Im Frühjahr 2024 erscheint Jule Malischkes neues Album \“Seagull\“, das sie schon heute im Pre-Releasekonzert live vorstellt.
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Der DOWNBEATCLUB groovt. Rockige, Blues-basierte Riffs lassen einen an Bands aus den 70ern wie “The Meters” denken, der über allem stehende lässige funky Groove auch an “Scofield Medeski Martin and Wood”. Meist mit Geschichten und Bezügen zu Kunst und Film garniert, erzeugen die drei Clubmitglieder mit ihren Songs in höchstem Maße mitreißende Stimmungen. Die extrem kurzweiligen Songstrukturen, in denen sich immer wieder auch in den Gesamtklang eingebettete Soli ergeben, lassen ein einzigartiges Konzerterlebnis entstehen, das an Intensität seinesgleichen sucht. Pulsierende Beats lösen Raum und Zeit auf hypnotische Weise auf. Chamäleonartig passen sie ihre musikalischen Farbgebungen einander an und erschaffen so ein einzigartig homogenes und klares Klangbild. Energiegeladen. Treibend. Bewusstseinserweiternd. Die flirrende Weite, die diese Band erzeugt, lässt tatsächlich mehr als drei Musiker vermuten. Ein beeindruckendes Zusammenspiel, erzeugt durch die ausgereifte Balance von Präzision und individueller Freiheit. In vier Worten? “Down, Dirty and Funky”. Das sagte der US Gitarren-Star Will Bernard schon 2012 zum Downbeatclub. Dieses Motto haben die drei Musiker konsequent weiterentwickelt. Die Konzerte sind zu hypnotischen Feuerwerken geworden – erst recht, wenn die Band wie jetzt ein neues Album vorstellt.
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Man stelle sich vor, eine der besten Jazzbands der Schweiz trifft auf ihr österreichisches Pendant und fusioniert mit diesem: Ein transalpines Musikereignis der Extraklasse vom vordersten bis hintersten Zugabteil würde da entstehen. Aber: Diese Kombination gibt es! Und sie ist auf dem besten Weg zum Kultstatus: Das Quartett The Great Harry Hillmann plus das Trio Edi Nulz ergeben zusammen das Septett THE TRUE HARRY NULZ: Zwei Bassklarinetten, zwei Gitarren, zwei Drums und ein Elektrobass sorgen für clevere Arrangements, unisono Stereoeffekte und improvisatorische Aus- und Beinbrüche – Austro-Helvetia-Power at its finest!
Dies ist nun endlich dokumentiert auf dem ersten Album dieser außerordentlichen Kombination. \“Fur Fish Banana\“ erscheint am 6. Oktober und in ihrer Release-Tour kommen THE TRUE HARRY NULZ auch in die Tonne.
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